Para convertir a Fin Raziel sucesivamente en varios animales, Industrial Light & Magic desarrolló una transición digital en la que una criatura se fundía con la siguiente. Aquel proceso, conocido como morphing, se convirtió en una referencia para el cine de efectos visuales.
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Willow Ufgood es un granjero nelwyn que sueña con convertirse en hechicero. Cuando encuentra a una bebé perseguida por la reina Bavmorda, acepta protegerla y emprende un viaje para devolverla a su pueblo. Su aventura lo une al imprevisible Madmartigan y demuestra que la inteligencia, la compasión y la perseverancia pueden resultar más decisivas que la fuerza.
El primer papel protagonista de Warwick Davis, el origen de la historia, el rodaje en cuatro territorios, la creación del mundo nelwyn, los efectos de ILM y la transformación digital que anticipó el futuro.
ILM enlazó digitalmente varias criaturas para que una forma se fundiera en la siguiente. La secuencia se convirtió en uno de los primeros usos destacados del morphing en un largometraje.
George Lucas ya había trabajado con él cuando interpretó a Wicket en El retorno del Jedi. En Willow pasó de actor adolescente bajo un disfraz a sostener una superproducción completa.
Lucas explicó que el relato fantástico evolucionó a partir de materiales que estudiaba mientras preparaba su película de 1977. El proyecto fue creciendo durante años hasta encontrar director y protagonista.
Lucas y Howard ya se conocían desde American Graffiti. Tras demostrar con Cocoon que podía combinar efectos, humor y emoción, Howard recibió la propuesta de dirigir la aventura.
Lucas aportó el argumento y la mitología básica, pero el guion fue escrito por Dolman. La película final nació del equilibrio entre la estructura de cuento de Lucas y el tono humano de Howard.
Willow comienza preocupado por su familia, su cosecha y su deseo de aprender magia. Su valor consiste en continuar aunque casi nunca sea la persona más fuerte del grupo.
La producción construyó una comunidad completa en lugar de limitar estos actores a criaturas o personajes cómicos. Familia, rivalidades, oficios y autoridad forman un mundo propio.
La aldea nelwyn se levantó como un conjunto real de casas, caminos y espacios comunitarios. Esa construcción permitió que los actores se movieran dentro de un entorno coherente.
El gran espadachín aparece encerrado y abandonado, lejos de la imagen clásica del caballero noble. Su arrogancia y su humor sirven de contraste con la prudencia de Willow.
La relación entre Madmartigan y Sorsha salió de la pantalla: los dos actores se enamoraron durante la producción y se casaron en 1988.
Ruth y Kate Greenfield compartieron el papel, una práctica habitual para reducir el tiempo de trabajo de menores. El montaje hace que ambas parezcan un único personaje.
Se utilizaron perros cubiertos con piezas de vestuario y maquillaje para alterar su silueta. El resultado mezcla movimiento animal auténtico con una apariencia fantástica.
La criatura bicéfala toma su nombre de Roger Ebert y Gene Siskel. El chiste interno de Lucas quedó escondido dentro de uno de los monstruos más recordados de la película.
Willow no pertenece exclusivamente al cine práctico ni al digital. Miniaturas, matte paintings, animación stop motion, maquillaje, dobles y procesamiento informático conviven en las mismas secuencias.
La producción trabajó en Cannon Elstree Studios y utilizó localizaciones como Brocket Hall. Los interiores y grandes decorados se combinaron con paisajes naturales.
Las montañas y valles de Gales aportaron una geografía abrupta y húmeda. La aventura parece atravesar un territorio continuo aunque se rodara en varios países.
El equipo filmó en Queenstown y otros paisajes neozelandeses desde julio de 1987. Más de una década antes de El Señor de los Anillos, el país ya ofrecía escala épica a Willow.
Parte del trabajo se realizó en California y en instalaciones de ILM. El mundo de la película se construyó uniendo Inglaterra, Gales, Nueva Zelanda y Estados Unidos.
La luz conserva barro, lluvia, humo y relieve en lugar de limpiar el mundo hasta hacerlo perfecto. Ese aspecto tangible ayuda a unir paisajes reales y efectos visuales.
La música combina gran orquesta, coros y motivos heroicos con pasajes íntimos. El tema de Willow acompaña su crecimiento sin convertirlo inmediatamente en un héroe invencible.
La Academia la nominó por efectos visuales y edición de efectos sonoros. No ganó, pero ambas candidaturas reconocieron precisamente la ambición técnica de la aventura.
Costó aproximadamente entre 25 y 35 millones de dólares según informes de la época y recaudó 57,3 millones en Estados Unidos y Canadá. Su reputación creció especialmente después en vídeo y televisión.
Lucas desarrolló con Chris Claremont una trilogía literaria situada después de la película. En 2022, Warwick Davis y Joanne Whalley regresaron en una serie secuela de Lucasfilm.
El proyecto necesitó años para encontrar su forma, su director y el actor capaz de sostenerlo.
La historia evolucionó a partir de investigaciones realizadas durante la preparación de Star Wars. Lucas quería combinar una mitología reconocible con un protagonista al que el cine épico rara vez concedía el centro.
Aunque el universo pertenecía a Lucas, la película necesitaba la sensibilidad de Howard: familias, humor, inseguridad y personajes que descubren su valor mientras intentan resolver problemas concretos.
Lucas lo había conocido como Wicket en El retorno del Jedi. En lugar de esconderlo bajo una criatura, decidió construir una aventura donde su rostro, su voz y su presencia condujeran toda la historia.
Ron Howard ha recordado que George Lucas lo animó a apropiarse emocionalmente del material, aunque la historia y el mundo partieran de él. Warwick Davis ha descrito el rodaje como una experiencia enorme para un actor todavía adolescente, y años después destacó el apoyo de Val Kilmer durante jornadas físicamente exigentes. La relación entre ambos personajes funciona porque la seguridad aparente de Madmartigan y las dudas de Willow esconden vulnerabilidades opuestas.
Willow intenta devolver a Fin Raziel su forma humana, pero la transforma sucesivamente en distintos animales. Para que cada criatura se fundiera con la siguiente, ILM digitalizó imágenes y calculó correspondencias entre contornos, ojos, hocicos y masas corporales. El ordenador no generaba todo el animal: ayudaba a construir los fotogramas intermedios entre elementos filmados por separado. El resultado fue uno de los primeros usos destacados del morphing digital en un largometraje y preparó el camino para transformaciones posteriores que el público de los años noventa asociaría ya con el CGI.
La fuerza visual de Willow procede precisamente de combinar técnicas. Hay decorados, maquillaje, animales caracterizados, especialistas, miniaturas, matte paintings, animación y composición óptica. Pero también existe un procesamiento digital pionero. Presentarla únicamente como triunfo de los efectos prácticos oculta lo más interesante: ILM no sustituyó de golpe los métodos anteriores, sino que añadió una nueva herramienta a un sistema donde cada ilusión utilizaba la técnica más adecuada.
Willow no es ayudante, criatura mágica ni alivio cómico. Es esposo, padre, granjero y aspirante a hechicero. El poblado nelwyn también está construido como una sociedad: existen autoridad, rivalidades, familias, trabajos, celebraciones y miedo al mundo exterior. La aventura parte de una decisión poco espectacular: Willow acepta proteger a una niña abandonada aunque eso lo obligue a cruzar los límites de su comunidad. Su heroísmo no depende de descubrir que era el guerrero más poderoso, sino de aprender a utilizar observación, engaño, intuición y una magia todavía imperfecta.
La película presenta a Madmartigan cuando nadie parece dispuesto a confiar en él. Presume de ser el mejor espadachín, pero está encerrado, hambriento y abandonado. Val Kilmer mezcla agilidad, arrogancia y comedia física, convirtiéndolo en una figura heroica que debe demostrar con acciones todo aquello que afirma con palabras. Su transformación corre en paralelo a la de Willow: uno aprende a confiar en su talento y el otro a emplearlo para proteger a alguien que no es él mismo.
El rodaje principal comenzó el 24 de abril de 1987 y pasó aproximadamente doce semanas en Inglaterra, incluidos los estudios Cannon Elstree y Brocket Hall. Snowdonia aportó montañas y valles; Queenstown y otros paisajes neozelandeses ampliaron la escala del viaje desde julio; Marin County y las instalaciones de ILM en California completaron escenas y efectos. El montaje une territorios separados por miles de kilómetros hasta convertirlos en una ruta fantástica aparentemente continua.
El dragón de dos cabezas conocido como Eborsisk recibió un nombre formado a partir de los apellidos de los críticos Roger Ebert y Gene Siskel. La criatura combina animación, modelos y composición dentro de una batalla donde el peligro conserva un tono ligeramente descontrolado y cómico. El nombre no se explica en la narración: quedó como una pequeña broma interna incrustada en el bestiario de la película.
La partitura utiliza una orquesta amplia, coros, percusión y temas aventureros, pero no olvida que el protagonista empieza siendo un hombre inseguro. El motivo principal puede sonar íntimo y después crecer cuando Willow decide continuar. Horner ayuda así a que paisajes, ejércitos y criaturas no reduzcan al protagonista: incluso en los momentos más espectaculares, la música conserva el viaje emocional de un padre que solo quería volver a casa con su familia.
La Academia nominó a Willow por sus efectos visuales y por la edición de efectos sonoros. Su presupuesto fue estimado por distintas publicaciones entre 25 y 35 millones de dólares. Recaudó unos 57,3 millones en Estados Unidos y Canadá, un resultado respetable pero inferior a las expectativas de una nueva gran franquicia de Lucas. El alquiler doméstico, la televisión y las generaciones que crecieron con ella reforzaron posteriormente su condición de película de culto.
George Lucas y el novelista Chris Claremont prolongaron la historia mediante una trilogía de libros iniciada con Shadow Moon. La continuación audiovisual llegó mucho después: en 2022, Lucasfilm estrenó una serie situada años después de la película, con Warwick Davis de nuevo como Willow y Joanne Whalley como Sorsha. El regreso demostró que la película había dejado una comunidad de seguidores mucho más duradera de lo que sugerían sus resultados iniciales.
La escena comienza como uno de los muchos fracasos mágicos de Willow. Fin Raziel necesita recuperar su cuerpo humano, pero cada intento la transforma en otro animal: una cabra, un avestruz, un pavo real, una tortuga y un tigre antes de alcanzar finalmente su forma. El reto no consistía solo en filmar criaturas diferentes. Era necesario hacer que una anatomía se convirtiera gradualmente en otra sin un corte que ocultara el cambio. Industrial Light & Magic desarrolló un proceso digital para escanear imágenes, señalar puntos equivalentes y generar transiciones intermedias. Un ojo podía desplazarse mientras se convertía en el ojo de la criatura siguiente; un hocico se acortaba, las extremidades cambiaban y el contorno completo parecía derretirse y reorganizarse. El ordenador no sustituyó todos los elementos filmados: los conectó de una manera que los métodos ópticos tradicionales no podían resolver con la misma fluidez. Ese procedimiento recibió el nombre de morphing. Hoy la transformación puede parecer familiar porque innumerables películas, anuncios y videoclips utilizaron después técnicas semejantes. En 1988, sin embargo, el espectador estaba viendo una nueva clase de imagen: no una criatura escondida por un corte, sino una forma que parecía evolucionar delante de sus ojos. La paradoja perfecta es que Willow suele recordarse como una obra artesanal de decorados, maquillaje, paisajes y animatrónicos, cuando una de sus escenas más importantes ayudó precisamente a abrir la puerta del cine fantástico hacia la transformación digital.
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