El mago de Oz parece un sueño de música y color, pero detrás hubo maquillaje tóxico, quemaduras, focos abrasadores, vestuarios agotadores y varios cambios de director. MGM fabricó una imagen de inocencia mientras sus intérpretes trabajaban en unas condiciones que hoy resultarían impensables.
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MGM convirtió la novela de L. Frank Baum en una superproducción de decorados gigantescos, canciones integradas en la historia y un Technicolor de tres tiras que todavía parece imposible. Su estreno inicial no produjo el éxito descomunal que hoy imaginamos, pero las reposiciones y las emisiones televisivas la transformaron en uno de los grandes rituales familiares del siglo XX.
Judy Garland describió “Over the Rainbow” como una canción sobre el deseo universal de que las cosas pudieran ser un poco mejores. Ese anhelo resume a Dorothy y también el corazón de la película: Kansas es pequeño, sepia y cotidiano; Oz es brillante y gigantesco, aunque al final la protagonista descubre que el valor, la inteligencia, el corazón y el hogar no dependían de ningún mago.
Accidentes, maquillaje, canciones eliminadas, efectos artesanales y decisiones que convirtieron Oz en un icono universal.
La desaparición de la Bruja debía combinar una trampilla, humo y fuego. En una toma, las llamas se activaron antes de que Hamilton descendiera por completo. La actriz sufrió quemaduras en el rostro y en una mano y pasó varias semanas fuera del rodaje.
El actor originalmente elegido inhaló polvo de aluminio utilizado en su caracterización y desarrolló graves problemas respiratorios. Terminó hospitalizado y MGM lo sustituyó por Jack Haley, que empleó una pasta menos volátil.
El sistema de tres tiras necesitaba una iluminación intensísima. Grandes bancos de focos elevaban la temperatura de los decorados, una dificultad extrema para quienes llevaban máscaras, pelucas y trajes pesados.
Bert Lahr trabajaba bajo un vestuario grueso y sofocante. Entre tomas debía quitárselo y recibir aire para refrescarse. La combinación del traje con los focos convirtió su interpretación en una prueba física.
El embudo se creó con una larga pieza de muselina suspendida entre dos estructuras móviles. Al desplazar sus extremos sobre una miniatura de Kansas y añadir polvo, la tela parecía retorcerse como un tornado real.
El interior de la casa fue pintado en tonos sepia y una doble de Dorothy abrió la puerta vestida también en marrones. La cámara avanzó hacia el exterior en Technicolor y Judy Garland entró después en plano.
Baum escribió que Dorothy llevaba zapatos de plata. MGM los convirtió en rubí para aprovechar el Technicolor y contrastarlos con el camino amarillo. El cambio terminó sustituyendo al original en la memoria popular.
Los zapatos de satén rojo fueron cubiertos con miles de lentejuelas y se crearon versiones distintas para primeros planos y escenas de movimiento. Algunos ejemplares se encuentran hoy entre los objetos más valiosos del cine.
Algunos ejecutivos consideraron que ralentizaba la película y resultaba demasiado sofisticada para una adolescente. La canción sobrevivió, ganó el Óscar y quedó unida para siempre a Judy Garland.
“The Jitterbug” mostraba a Dorothy y sus amigos bailando después del ataque de un insecto. La costosa escena fue cortada para reducir la duración y evitar una referencia musical que podía parecer anticuada. Solo sobreviven fragmentos e imágenes domésticas.
Norman Taurog trabajó en la preparación, Richard Thorpe inició el rodaje, George Cukor redefinió a Dorothy, Victor Fleming dirigió la mayor parte y King Vidor completó las escenas de Kansas.
Garland llevaba al principio peluca rubia y un maquillaje más exagerado. Cukor eliminó esa caracterización y pidió una interpretación menos afectada. Aunque no recibió crédito, ayudó a definir la Dorothy definitiva.
La cairn terrier ya había trabajado en cine y recibió un salario semanal por interpretar al compañero de Dorothy. Durante el rodaje sufrió una lesión accidental en una pata, se recuperó y regresó al plató.
Además del Mago, aparece como el profesor Marvel, el guardián de la Ciudad Esmeralda, el cochero y el portero del palacio. La multiplicación refuerza la idea de que Dorothy transforma en Oz a personas que ya conoce.
Centenares de intérpretes participaron en las escenas multitudinarias y el estudio produjo vestuarios para Munchkinland, la Ciudad Esmeralda y los soldados de la Bruja, incluso para extras situados al fondo.
Durante años se afirmó que una figura del fondo era un intérprete colgado de un árbol. En realidad se trata de una gran ave utilizada para dar movimiento y profundidad al bosque. Las restauraciones permiten distinguir mejor sus alas.
Oz funciona porque cada efecto artesanal obedece a la lógica visual de un libro ilustrado, no a la del realismo.
La Ciudad Esmeralda, los paisajes lejanos y los caminos se completaban mediante fondos pintados, decorados parciales y perspectiva. El estudio fabricó un mundo mayor que el espacio físico disponible.
Los decorados eran tan grandes que se colocaban cámaras entre arbustos y elementos de atrezo para obtener primeros planos mientras otra cámara captaba el conjunto. Todo debía coordinarse como una enorme coreografía.
Para modificar el tono del caballo de la Ciudad Esmeralda se aplicó una mezcla de color y gelatina. El animal intentaba lamerla, por lo que el equipo debía retocar el efecto entre tomas.
La película convierte las carencias de Dorothy en reflejos de aquello que sus compañeros ya poseen sin saberlo.
Aunque cree no tener cerebro, es quien propone planes y soluciones durante buena parte del viaje. El diploma no le entrega una capacidad nueva: simplemente le da una prueba simbólica de lo que ya tenía.
Es el personaje que más se emociona, llora y se preocupa por los demás. Su reloj con forma de corazón no crea sus sentimientos: convierte en objeto visible una cualidad que siempre estuvo presente.
Tiene miedo, pero acompaña a sus amigos y se enfrenta al peligro. La película presenta el valor no como ausencia de temor, sino como la decisión de seguir adelante a pesar de él.
MGM conservó el viaje de Dorothy, pero alteró elementos esenciales. En los libros, Oz existe realmente y la niña regresa en aventuras posteriores; la película presenta el viaje como un sueño y convierte a varios personajes de Kansas en sus equivalentes fantásticos. También cambió los zapatos de plata por rubí y dio mucho más protagonismo a la Bruja del Oeste para concentrar el conflicto.
Dorothy no pasa de una película monocroma a otra mágicamente filmada en color. La casa fue pintada en tonos sepia, una doble vestida y maquillada en marrones abrió la puerta y la cámara avanzó hacia Munchkinland en Technicolor. Judy Garland entró entonces desde fuera. El cambio técnico sucede ante nuestros ojos sin un corte evidente, y por eso conserva intacta su magia.
El mago de Oz necesitó focos que convertían los platós en hornos, casi mil trajes, maquillaje de aluminio que llevó a Buddy Ebsen al hospital, una explosión que hirió a una especialista y fuego que quemó a Margaret Hamilton. Pasó por varios directores y estuvo a punto de perder “Over the Rainbow”. Sin embargo, MGM ocultó todo ese esfuerzo detrás de una fantasía aparentemente sencilla. La gran ironía es que una de las películas más luminosas y reconfortantes del cine nació de uno de los rodajes más duros y accidentados de su época.
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