Los animadores usaron cascos con 21 metros de sedal y dejaron caer enormes telas desde balcones para estudiar la melena. Después diseñaron sistemas informáticos que convirtieron el pelo en un personaje más.
Descubrir las 30 curiosidades
Rapunzel lleva toda su vida encerrada en una torre, pero sueña con descubrir el origen de las luces que aparecen cada año en el cielo. La llegada del fugitivo Flynn Rider pone en marcha una aventura de libertad y descubrimiento. Disney combinó la expresividad del dibujo clásico con tecnologías digitales desarrolladas para un reto aparentemente imposible: su cabello.
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La investigación de Disney, los animales, el pelo y los secretos de esta aventura musical.
El pelo de Rapunzel podía renderizarse con hasta 140.000 fibras visibles. Los técnicos animaban un conjunto mucho menor de guías dinámicas y generaban el resto durante el renderizado.
Fuente ↗Para entender qué significaba arrastrar semejante melena, los animadores caminaron por el estudio con cascos a los que ataron decenas de metros de sedal.
Fuente ↗Dejaron caer telas largas desde el edificio para estudiar cómo se retorcería un volumen enorme de material al desplegarse desde la torre.
Fuente ↗Los artistas cepillaban pelucas y observaron cómo caminaba y movía la cabeza una modelo de cabello largo para estudiar el movimiento natural.
Fuente ↗Kelly Ward y otros investigadores desarrollaron sistemas específicos de simulación para que una melena de unos 21 metros fuera animable sin perder su diseño.
Fuente ↗El veterano animador comparaba el comportamiento caótico de las fibras digitales con miles de gatos moviéndose por su cuenta.
Fuente ↗Keane pidió que siempre conservara volumen, curvas, giros elegantes y su característico mechón frontal, aunque para lograrlo hubiera que corregir la física.
Fuente ↗Cuando la física producía posturas poco atractivas, los artistas intervenían para ajustar la forma final: la expresividad importaba más que el realismo perfecto.
Fuente ↗Keane contó que calcularon aproximadamente cuarenta libras para el cabello; el equipo debía sugerir ese peso sin convertirlo en un obstáculo para cada acción.
Fuente ↗Además del movimiento, mapas de textura y controles de iluminación permitían regular el tono dorado, el brillo y la luz mágica cuando Rapunzel canta.
Fuente ↗Glen Keane explicó que durante años se trabajó en una versión más paródica del cuento, antes de volver a una aventura emocional y sincera.
Fuente ↗Tras desechar aquella variante cómica, el equipo reorientó la película hacia los sueños y el encierro de Rapunzel, conservando un tono más emotivo.
Fuente ↗Al principio el camaleón se movía de manera realista y sus ojos parecían independientes. En los pases de prueba no resultó lo bastante simpático.
Fuente ↗El supervisor Lino DiSalvo explicó que agrandaron expresiones y gestos del camaleón hasta que su papel funcionó como compañero cómico de la protagonista.
Fuente ↗Byron Howard contó que el personaje se inspiró en un camaleón de verdad que pertenecía a la artista de animación Kellie Lewis.
Fuente ↗Cuando llegaron los créditos de “Production Babies”, el Pascal real había sido padre de seis crías y el estudio las homenajeó como “Chameleon Babies”.
Fuente ↗Para distinguirlo de otros caballos animados, el equipo le dio gestos caninos: olfatea pistas, mueve la cola y se sienta ante Rapunzel.
Fuente ↗Greno contó que llenaron un tablero con imágenes de caballos animados anteriores para evitar repetir sus diseños y dar personalidad propia a Maximus.
Fuente ↗Los animadores mantuvieron rasgos reales del caballo, pero permitieron gestos imposibles cuando ayudaban a conseguir una reacción cómica convincente.
Fuente ↗Byron Howard destacó la secuencia nocturna de las linternas flotantes como uno de los grandes logros visuales y emocionales de Disney en esta producción.
Fuente ↗Los especialistas desarrollaron un sistema de “cables dinámicos” para simular mechones guía y calcular desde ellos miles de pelos, manteniendo la silueta deseada.
Fuente ↗Kelly Ward y su equipo documentaron públicamente técnicas para agilizar simulaciones y permitir que los directores artísticos decidieran el aspecto del cabello.
Fuente ↗El número de fibras renderizadas variaba según la distancia de cámara; un primer plano requería mucha más precisión que una imagen general.
Fuente ↗Los responsables de arte relacionaron el resplandor cálido del cabello con la luz del sol y el espíritu optimista de Rapunzel.
Fuente ↗Comparó a ambas heroínas: las dos viven separadas de sus sueños por una frontera, una pared de torre o la superficie del mar.
Fuente ↗Keane recurría a dibujos tradicionales para explicar curvas, volumen y ritmo a los programadores, que traducían esas directrices a sistemas digitales.
Fuente ↗Disney describe oficialmente sus setenta pies de pelo dorado: una característica que condicionó las escenas de acción y la puesta en escena.
Fuente ↗La película fue codirigida por ambos realizadores, mientras Roy Conli ejerció de productor, según la documentación de Disney Animation.
Fuente ↗Los dos actores dieron voz en inglés a Rapunzel y Flynn Rider; Donna Murphy interpretó a Madre Gothel.
Fuente ↗Disney estrenó la película en Estados Unidos en Acción de Gracias de 2010, como una aventura musical que mezclaba humor, acción y fantasía.
Fuente ↗Animar 21 metros de pelo parecía casi imposible. Kelly Ward y el equipo de Disney desarrollaron sistemas que trabajaban con un pequeño conjunto de guías dinámicas y, en el renderizado, reconstruían miles de fibras. Glen Keane insistía en que las curvas debían ser bellas, no meramente físicas. Para estudiar movimientos, los animadores probaron cascos con sedales, telas y pelucas.
El camaleón Pascal era originalmente más realista y menos expresivo. Tras las pruebas, le exageraron gestos para convertirlo en un cómico compañero. Maximus, por su parte, debía ser un caballo con alma de perro: la animación le permitió olfatear, sentarse y perseguir como si fuera un sabueso. Hasta el Pascal real terminó homenajeado en los créditos.
Glen Keane recordó que el proyecto pasó años desarrollándose como Rapunzel Unbraided, una versión más burlona del cuento. La dirección artística regresó después a un tono sincero. La secuencia de los farolillos se convirtió en el símbolo de ese cambio: una imagen construida con tecnología avanzada al servicio de una emoción sencilla.
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Leer curiosidades →Curiosidades basadas en documentación de Walt Disney Animation Studios, la publicación técnica presentada en SIGGRAPH, entrevistas al equipo de animación y reportajes de producción. Se distinguen las cifras de renderizado de las guías utilizadas durante la simulación. IMDb no es fuente principal.