Aronofsky explicó que manipularon reflejos y utilizaron distintas dobles para que el público sintiera que algo iba mal sin poder identificar exactamente qué.
Descubrir sus historiasAronofsky ha desarrollado un lenguaje de montaje acelerado, cámara cercana a los intérpretes y efectos visuales que expresan estados emocionales. Sus rodajes combinan preparación física, decisiones técnicas e improvisaciones inesperadas.
12 historias de montaje, rodajes reales, ballet y trucos visuales.
Aronofsky contó que, tras crecer en Brooklyn escuchando hip hop en los años ochenta, quiso trasladar esa energía al cine. Por eso repite imágenes breves, sonidos secos y acciones que aceleran el relato.
Según el director, dividir en dos la imagen durante momentos íntimos subrayaba que sus personajes, aunque estuvieran juntos, no conseguían conectar verdaderamente. El recurso visual expresa distancia emocional.
Aronofsky explicó que Pi está casi totalmente situada dentro de la mente de su protagonista, mientras que en Réquiem tuvo que expresar cuatro experiencias distintas. Ese cambio lo llevó a multiplicar los recursos visuales.
La directora de fotografía Maryse Alberti explicó que utilizaron cámaras de 16 mm: facilitaban seguir a Mickey Rourke por pasillos estrechos, vestuarios y tiendas con una sensación muy cercana al documental.
Aronofsky describió el estilo de El luchador como un documental anticipado: el equipo sabía de antemano hacia dónde iba el actor, de modo que podía seguirlo sin el retraso habitual de un documental real.
Aronofsky explicó en Fresh Air que filmaron los combates durante veladas reales de lucha libre profesional y con luchadores de verdad. Esa mezcla dio espontaneidad a las reacciones de la gente y del reparto.
El director contó que pidió a Mickey Rourke acercarse a otro luchador, Necro, y empezar a hablar mientras esperaban. Aquella conversación improvisada quedó en la película tras solo dos o tres tomas.
En una conversación retrospectiva con Vogue, Aronofsky explicó que había hablado con Natalie Portman sobre una película ambientada en el ballet alrededor del año 2000, mucho antes de que existiera la versión definitiva del guion.
Aronofsky reveló que muchos reflejos fueron manipulados: en ocasiones la imagen de Nina se retrasa o realiza un gesto ligeramente distinto. El objetivo era provocar inquietud sin convertir cada anomalía en un efecto evidente.
Para Cisne negro no recurrieron a una única sustituta: Aronofsky explicó que emplearon bailarinas y otras dobles según las necesidades de pies, manos, hombros o planos de espalda. Así ajustaban cada toma a la coreografía.
Tras el estreno, la bailarina Sarah Lane cuestionó las cifras difundidas sobre cuánto había bailado Portman. Aronofsky respondió con un recuento de planos; las discrepancias muestran por qué no es correcto atribuirle todas las escenas de danza a una sola persona.
Durante el rodaje, la actriz explicó al Los Angeles Times que el entrenamiento estricto y el agotamiento físico se trasladaron al personaje. Aronofsky destacó el control corporal que adquirió durante la preparación.
Dos películas del catálogo de CineCurioso.
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Descubre las curiosidades de esta película.
Leer curiosidades →Historias contrastadas con declaraciones del director, equipo de fotografía y prensa. La controversia sobre las dobles de ballet se presenta atribuyendo las distintas versiones.
